Le Blog de ceux qui veulent découvrir le monde par le cinéma. Suivez Cinésium sur twitter: @cinesium, sur facebook:cinesium ou sur le site officiel: www.cinesium.fr
Martin Barnier est un ancien enseignant en Histoire Géographie qui s'est depuis près de 20 ans spécialisé dans le cinéma jusqu'à l'enseigner à l'Université Lumière - Lyon 2.
Ses travaux l'ont souvent poussé vers l'analyse du son dans les films. Mais son dernier ouvrage porte sur une des nouveautés du cinéma contemporain, à savoir le cinéma en relief, peut-être abusivement désigné comme film en 3D.
Co-écrit avec Kira Kitospanidou, l'ouvrage évoque tous les reliefs, image comme son, mais aussi tous les procédés utilisés depuis que ce cinéma en relief existe.
inhabituellement, ce post sera consacré à un multiplexe avec lequel j'ai travaillé depuis 2008. Tout a commencé par un festival "Justice à l'écran" pour lequel j'intervenais. Ce festival impliquait tout le département de l'Isère et les propriétaires du Mégaroyal, Martine et Richard Derobert, avait décidé d'y participé en accueillant tous les films de la sélection "Fiction" et en créant même un Prix du Public.
En ces temps difficiles que Éclair Group rencontre, il est important de rappeler le travail colossal que réalisent ses techniciens pour préserver le fonds du cinéma français.
Tout d'abord, un constate: la France du cinéma ne semble s'être jamais aussi bien portée. Les salles connaissent une fréquentation forte, soutenue par des blockbusters qui jouent leur rôle d'aspiration de spectateurs. La production française est reconnue dans le monde entier et vient d'être célébré encore une fois à Cannes par la Palme d'Or et un prix d'interprétation masculine. Les festivals n'ont jamais été si nombreux, malgré les difficultés économiques pour les organiser et proposent des programmations de tous les genres, de tous les thèmes. Le Festival Lumière propose même de revisiter le patrimoine mondial, donc français, du cinéma par la projection de films restaurés.
ce soir, l'Institut Lumière propose le chef-d'œuvre de Billy Wilder pour ses séances en plein air, place Ambroise Courtois: Certains l'aiment chaud.
Film classé "meilleure comédie du cinéma" par l'American Film Institute, il doit son succès à bien des choses! C'est d'abord le film d'un génie du cinéma, sachant jouer sur tous les registres, du drame à la comédie en passant par l'analyse sociétale. C'est ensuite un casting formidable qui fait se côtoyer deux immenses acteurs, Tony Curtis et Jack Lemmon - oscar du meilleur second rôle - et un sex symbol planétaire et universel: Marilyn Monroe. C'est toujours une bande son inoubliable avec une chanteuse, toujours Marilyn, qui sait magnifier n'importe quel refrain.C'est aussi le choix d'un scénario qui reprend une histoire de polar des années 30, Little Cesar pour en faire une comédie.
depuis des décennies, les pédagogues et enseignants se servent du cinéma - ou de supports audiovisuels - comme documents pédagogiques. Plus les années passent et plus les enseignants qui débutent face aux classes sont des consommateurs de cinéma mais aussi des utilisateurs d'outils numériques permettant le visionnage et l'extraction de fichiers numériques vidéo. Mais surtout, ils ont face à eux des élèves dont l'univers mental est forgé par l'image animée qu'ils voient à chaque instant de leur vie de par la multiplication des écrans à leur disposition, télévision, ordinateur, tablette, smartphone..., et la multiplication des formats, film, série, publicité, clip, vine...
Sophia Loren sera donc l'invitée d'honneur du Festival Lumière 2015. Si elle ne recevra pas le prix Lumière puisqu'il sera remis à Martin Scorcese, sa présence sera évidemment un moment fort du Festival comme celle de Faye Dunaway l'avait été en 2014. Sa filmographie conséquente la qualifie d'ailleurs pour faire partie des plus grandes comédiennes de l'après guerre, tournant avec les plus grands, réalisateurs comme comédiens. Enchaînant les films légers ou les peplums dans lesquels elle peut afficher une plastique des plus avantageuses, faisant d'elle un sex symbol comme bien des actrices italiennes des années 1950 (on pense à Gina Lollobrigida ou à Sylvana Mangano), elle obtint à partir de 1960 des rôles à la hauteur de son immense talent.
quand le Festival Lumière fut créé en 2009 avec Eastwood en premier lauréat du Prix éponyme, tous les journalistes, cinéphiles et autres spécialistes du 7ème art réfléchissaient déjà à ceux qui pourraient succéder au grand Clint. Et le nom de Scorcese était évidemment un de ceux qui revenait le plus souvent. Quand la 5ème édition fut révélée, chacun s'attendait à entendre le nom du réalisateur de Taxi driver et ce fut celui de Tarantino qui résonna. L'édition 2014 honorait Almodovar, autre grand nom attendu.
Qui pour succéder à Pedro Almodovar? Sous quels accents cinématographiques Lyon vibrera au mois d'octobre 2015?
Comme chaque année, l'Institut Lumière propose aux Lyonnais et aux non-Lyonnais une présentation du programme de la prochaine édition du Festival Lumière dont la7ème édition se tiendra du lundi 12 au dimanche 18 octobre, à Lyon.
Jean-François Giré viendra présenter son documentaire sur le Western italien. Monteur de formation, passionné par le western européen qui fut foisonnant dans les années 1960, Jean-François Giré a tout d'abord écrit un ouvrage de référence à ce sujet, Il était une fois... le western européen. Mais en 2014, il décide de réaliser un documentaire consacré exclusivement au western italien, qui fut certainement celui qui renouvela le plus le genre qui fit la légende des USA, mais qui le tua quasiment aussi.
du 14 au 16 juin 2015, Cinésium, en collaboration avec le Mégaroyal de Bourgoin-Jallieu, organise le festival "Sweet Girls & Bad Boys" avec des films pour les Filles et les Garçons.
Bande Annonce:
De la musique, de la danse, de la testostérone, de l'humour, bref, des films cultes et populaires avec un tarif imbattable:
5 € pour tous!!!
Venez revoir La belle et le clochard, danser sur Dirty dancing ou rire avec Les tontons flingueurs, le tout en vous habillant comme les personnages des films!
Ladygrey est le premier long-métrage de cinéma d'Alain Choquart, grand chef opérateur, notamment de Bertrand Tavernier. Le film nous plonge en Afrique du Sud, 10 ans après l'apartheid, dans une région rurale du pays, où cohabitent noirs et blancs, sans tension apparente... Pourtant, le sous-titre du film indique le contraire: "Aucun secret ne reste enfoui pour toujours". L'absence de tension n'est qu'un leurre, que le cinéaste va travailler tout le long du film.
(À Lyon, ce film est à découvrir au Comoedia)
Sorti le 18 février en France, American sniper est donc devenu le film de Clint Eastwood qui aura fait le meilleur résultat au box office tant aux USA qu'en Europe, y compris en France. Et pourtant, l'œuvre du maître américain comporte bien des films marquants dont certains oscarisés. L'homme des hautes plaines, Josey Wales hors la loi, Impitoyable mais encore Sudden impact, Sur la route de Madison, Un monde parfait, Million dollar baby ou Gran Torino sont quelques uns des films majeurs du cinéaste. Et pourtant, aucun de ces films n'a fait mieux que American sniper. Et aucun n'a rencontré une critique aussi partagée que lui. Chef-d'œuvre pour certains, film limite fasciste pour les plus réfractaires.
Bonjour à tous, La 15éme Édition du Festival Cinémas du Sud organisée par Regard Sud et l'Institut Lumière se déroulera du jeudi
23 au dimanche 26 avril 2015 : une exploration dans le cinéma du Maghreb et
du Moyen orient, des rencontres avec les réalisateurs et une table ronde autour
de la production et de la distribution des films du sud.
Plus que jamais, Lyon s'affirme comme une capitale du cinéma et de
Nagisa Oshima est un des réalisateurs japonais les plus intrigants qui soient et particulièrement apprécié par les cinéphiles français. L'empire des sens en 1976, Furyo en 1983 ou encore Max mon amour en 1986 ou Tabou en 1999 sont autant d'œuvres indispensables d'une cinéphilie exigeante.
Mais Oshima a réalisé bien d'autres films et c'est à l’occasion de
Cinésium, en partenariat avec le Mégaroyal de Bourgoin, organise un festival de cinéma, pour les filles et les garçons, du dimanche 14 juin au mardi 16 juin 2015.
Les spectateurs seront invités à ne pas être seulement des spectateurs! Des animations dans le hall du plus grand multiplexe indépendant de la région Rhône-Alpes seront organisées.
À l'occasion de l'exposition "Lumière! le cinéma inventé" au Grand Palais, je vous propose cette petite analyse sur ce que cette invention a entraîné malgré elle comme comportements face à l'image captée et animée, juste une petite réflexion sur le besoin de plus en plus important et narcissique des individus de se voir sur un écran, transformant l'IMAGE et IMAJE.
Au début fut la photographie
Les hommes des cavernes ne se peignaient pas vraiment et les peintures rupestres font peu (ou
depuis 2001, je propose des formations aux enseignants pour leur permettre d'aborder des questions contemporaines par l'utilisation des œuvres cinématographiques de fiction, voire documentaires.
L'idée est donc de partir des films comme sources historiques, celle de leur période de production.
Neill Blomkamp, le réalisateur de District
9 et de Elysium se plaît dans le
genre science-fiction / anticipation. Et son dernier film ne déroge pas à cela.
Chappie est un blocbuster plus malin
que les Transformers et autres films
de robots côtoyant les humains même si certains effets lorgnent véritablement
vers la recherche lourde du spectaculaire à tout prix. Film de science-fiction, d'anticipation ou réflexion sur des questions d'aujourd'hui, Chappie intrigue assurément sur
en 2004, Elie Chouraqui, réalisateur de Paroles et musique, des Marmottes et autres chefs-d'œuvre du cinéma, réalisait un reportage pour l'émission "Envoyé Spécial" intitulé Antisémitisme: la parole libérée. Ce documentaire tourné à Montreuil devait démontrer la progression de l'antisémitisme que les élèves de l'ORT (école juive) subissaient de la part de ceux du collège Paul Eluard. Invité à commenter son travail, Chouraqui affirmait avoir réalisé un film 100% objectif. Peu importait que ses élèves juifs soient filmés en rasant les murs, que des musiques angoissantes accompagnent les images ou que certains cadrages laissent penser que les antisémites étaient essentiellement d'origine arabe. Non, son travail était totalement objectif, ce qu'il répète d'ailleurs dans le DVD sorti après la première diffusion du reportage, en revendiquant une absence de parti pris. Tu penses.
Une telle affirmation est à la fois consternante au regard du reportage du réalisateur où le parti pris saute aux yeux, mais surtout consternante pour toute personne
Timbuktu, le film aux 7 César et plus d'1 millions de spectateurs est une sorte de miraculé du Box office français. Son réalisateur Abderrahmane Sissako ne s'attendait pas à autant de gloire. Il faut dire que peu de personnes ne s'y attendait non plus. Timbuktu n'aurait pas été le premier film cannois à avoir soutenu l'attention des "Professionnels de la Profession" en mai soulever un quelconque enthousiasme dans les salles ensuite. Ce film africain, produit par des Français mais africain pour tout le reste, du réalisateur au monteur en passant par les acteurs, les lieux, la langue, ose montrer le terrorisme islamiste et les conséquences liberticides et même davantage sur les populations mises sous la coupe des prétendus djihadistes. Tourné dans une langue non occidentale, même si du français ou de l'anglais apparaissent çà et là, avec aucun comédien connu, le succès commercial de ce film était hypothétique, malgré le sujet. Et puis surtout, il a été
Le 8 janvier 2015, l'agence de communication organisait une grande soirée pour le personnel de la société Bioderma.
L'objectif était de fédérer autour d'une ambiance festive les 80 participants, occupant toutes les fonctions de l'entreprise.
Cinésium a donc créé pour l'occasion un scénario original créant un pastiche de téléréalité, dans lequel les participants devaient à la fois suivre une trame prédéfinie tout en étant libre d'improviser.
Avec mon équipe de tournage, la soirée s'est déroulée parfaitement, chaque participant s'impliquant dans cette parodie avec enthousiasme!
Et pour vivre en un peu plus de 2 minutes cet événement, découvrez la vidéo suivante!
en 2010, Rose Bosch, réalisatrice de La rafle, prétendait qu'aucun film n'avait montré la rafle du Veld'hiv. Au sens propre, elle avait raison. Aucun n'avait reconstitué avec sa minutie cet événement tragique. Mais elle avait juste oublié qu'un autre cinéaste, un vrai celui-là, avait réalisé une œuvre autrement plus puissante que le film lacrymal tourné au XXIème siècle, injonction à choisir son camp et à se déterminer, près de 70 ans après parmi les gentils, en vomissant les méchants. Bien plus subtil a été le film de Joseph Losey réalisé en 1976. Mr Klein ne cherche pas l'exactitude à tout crin en ne se gênant pas à faire des entorses à l'Histoire quand la vision de cette période est au final bien plus respectée et nuancée que celle qui fut donc proposée dans La rafle. Mr Klein est dans la lignée de ces films qui sont revenus sur le résistancialisme qui avait marqué le cinéma français jusqu'aux années 1960 et qui présentait une vision très binaire de la période de l'occupation. Marcel Ophuls en 1969 avec le documentaire Le Chagrin et la Pitié, Louis Malle en 1974 avec Lacombe Lucien troublaient les Français dans leurs certitudes sur le comportement d'autres Français pendant la seconde guerre mondiale. Avec Mr Klein, Losey secouait encore un peu plus les spectateurs et ce au-travers d'un personnage double, mais sans double jeu. Une histoire revisitée pour une œuvre magistrale de profondeur.
Cinésium propose une conférence exclusive sur la manière dont le cinéma a cherché à évoquer le génocide juif.
La difficulté de la représentation de cet événement tragique est une des caractéristiques de ce cinéma, qui a souvent essayé de suggérer plutôt que de montrer réellement le génocide, s'appuyant sur le fait que les spectateurs pouvaient savoir sans besoin d'en dire davantage.
À travers l'évocation de nombreux films ayant pris comme personnages principaux des victimes ou des bourreaux, cette conférence a pour objectif de montrer combien le cinéma, et notamment le cinéma de fiction, est un outil de la mémoire.
Vous êtes une association, une médiathèque, un établissement scolaire ou toute autre institution et vous êtes intéressés par cette conférence, je vous invite alors à me contacter directement pour avoir davantage de précisions sur les modalités à l'adresse email suivante: lionel.lacour@cinesium
ou par téléphone: 06 45 32 75 58
Cannes 2014, un film suédois, co-production Rhône-Alpes Cinéma tourné en grande partie dans la station alpine des Arcs, a été projeté dans la sélection "Un autre regard" sous le titre de Turist. Il sera exploité dans le monde sous le titre de Force majeure, sauf en France puisque le distributeur a choisi Snow Therapy. Et on pourrait presque lui donner raison tant le film propose une thérapie intrigante tant aux personnages principaux qu'à ceux qui les côtoient voire aux spectateurs eux-mêmes. Réalisé par Ruben Östlund, le film se découpe en plusieurs journées mais s'interprète en plusieurs couches, pas forcément de neige!
Bande annonce:
1. Une situation banale, une remise en question des fondements du couple
Le film commence presque comme un film de famille tourné au caméscope. Quelques plans sur des gens heureux d'être sur une piste de ski, des parents devant s'occuper de leurs enfants emmitouflés dans des tenues bien peu pratiques pour se mouvoir dans les gestes quotidiens mais nécessaires pour pratiquer les activités de neige.
L'action est censée se passer dans les Alpes françaises et la famille vient de Suède. Une sorte de résumé de cette société de consommation du loisir est sous nos yeux. Un père qui prend des vacances pour (enfin) consacrer du temps à sa famille, un smartphone toujours présent servant autant à communiquer qu'à prendre des photographies ou qu'à faire des courtes vidéos.
Les enfants s'amusent avec un jouet dernier cri, sorte de drone qui les amuse autant que le père.
Avec cette famille suédoise, aux parents formidablement interprétés par Johannes Kuhnke dans le rôle de Tomas le père et Lisa Loven Kongsli dans le rôle d'Ebba la mère, c'est tout un modèle familial à la fois traditionnel et moderne qui se présente à nous. Traditionnel dans sa composition et dans son apparente répartition des rôles: 2 enfants, un père qui travaille plus que la mère qui a mis sa carrière entre parenthèse. Moderne dans cette recherche d'harmonie du couple, d'éveil des enfants, de liberté accordée réciproquement à chaque époux, à cette manière de faire leur toilette ensemble...
Pourtant, un événement à la fois anodin et majeur va fendre ce modèle d'équilibre, forcément fragile, reposant sur une valeur essentielle: la fonction de l'homme, père et mari.
Une avalanche est déclenchée par le personnel de la station pour éviter qu'une autre, incontrôlée et meurtrière ne se produise. Sous les yeux ébahis des touristes situés en terrasse d'un bar d'altitude et face à cette coulée de neige, Ebba s'inquiète du bruit et du volume que prend l'avalanche, malgré les mots rassurants de Tomas. Mais la masse de neige s'approche vraiment et semble prête à engloutir la terrasse et les personnes se trouvant dessus, provoquant une réaction de panique de tous les skieurs, à commencer par Tomas qui court pour se protéger, abandonnant femme et enfants, avant de revenir une fois que la menace ne se soit révélée n'être que de la neige pulvérisée accompagnant le gros de l'avalanche.
Ainsi commence le traumatisme d'Ebba, sa peur de l'avalanche lui en a fait découvrir une autre. Et si Tomas n'était pas celui qu'elle croyait.
2. L'avalanche se propage autour des héros et dans la salle
Le film joue sur l'effet de l'avalanche. Celle-ci devient une parabole pour mieux décliner ses effets autour des personnages.
La première victime semble donc être le couple formé par Tomas et Ebba. Telle une plaque instable dont la rupture entraîne l'avalanche, Tomas devient un maillon faible du couple. Celui qui doit résister aux tempêtes, dont le statut familial comme social est accepté parce qu'il représente la force et la sécurité s'est mué en couard, jusqu'à en nier l'évidence, pour mieux conserver son statut.
Cette rupture de plaque constitue pour Ebba un bouleversement digne d'une crise de foi. Elle va alors réaliser que son modèle familial n'est justement pas un modèle, notamment lorsqu'une amie lui fait comprendre qu'elle a des amants et que son mari l'accepte et fait de même. Cette liberté dans le
couple stupéfait Ebba mais fragilise encore davantage son modèle de société qui cherche tout de même à préserver encore ses enfants quand elle s'adresse à Tomas pour comprendre son déni autant que pourquoi il s'est comporté ainsi. C'est ainsi que le réalisateur extrait régulièrement le couple de son cocon locatif pour les faire discuter sur le palier de l'étage de l'hôtel.
De son côté, Tomas se voit encore comme un homme pouvant séduire. Dans une scène hilarante, Tomas doit pourtant faire face à une réalité. Son sex appeal n'est plus qu'une illusion dans laquelle il se plaît à vivre, imaginant qu'il peut encore séduire par son seul physique une femme plus jeune que lui. Et même si dans cette séquence, Tomas n'a rien demandé, l'attitude des femmes en dit long sur la mutation de société qui s'opère et dans laquelle l'homme n'a plus l'apanage de la drague, et de la drague "lourde"!
Vient alors le deuxième effet de l'avalanche, l'effet boule de neige qui entraîne tout sur son passage. Ainsi, une discussion lors d'un repas avec un couple d'amis Mats et Fanni, dont l'un est plus âgé que celle qui est désormais sa compagne, amène Ebba à évoquer "l'événement" qui la traumatise et à mettre son mari en défaut, mettant le couple d'amis à la fois dans l'embarras et dans une position d'arbitre, tentant vainement d'expliquer à chacun la raison du comportement de l'autre. Mais l'effet est dévastateur pour ce couple lui-même qui, même s'il réussit à s'extraire du conflit de couple entre Tomas et Ebba, va connaître une période de turbulence. Et Mats va donc subir l'interrogatoire de sa jeune compagne. Son statut de père divorcé le place de fait lui aussi dans la rupture du modèle familial traditionnel, dans la rupture du père ou mari protecteur. Mats n'a rien commis de répréhensible ni de critiquable et pourtant sa virilité est sur la sellette, comme celle de Tomas l'est avec Ebba.
Telle l'avalanche déclencheuse de l'histoire, la subtilité du film est de provoquer chez les spectateurs le même processus de réflexion qui a touché d'abord Tomas et Ebba puis Pats et Fanni. La détresse de Tomas,Hors cadre, hors écran, tous ceux qui ont assisté à l'avalanche sont à leur tour happés par les effets provoqués par cette fausse catastrophe naturelle. Ruben Östlund conduit chaque spectateur a envisager le point de vue de chacun des protagonistes et de fait, à revisiter le modèle familial établi, y compris dans une société suédoise que les Latins imaginaient comme beaucoup plus progressistes dans les relations homme/femme. Et comme Mats et Fanni qui intervinrent d'abord avec Tomas et Ebba pour ensuite débattre dans leur appartement de la place du "mâle" dans une société moderne, il est fort à parier que chaque spectateur emportera avec lui les questionnements suscités par Snow Therapy.
Il est rare qu'un film évoquant à ce point des questions intimes dans un couple interroge à ce point sur la société elle-même et sur ses fondements. Pas révolutionnaire dans ce qui est finalement affirmé, le réalisateur prend cependant à témoin les spectateurs non d'un renversement de situation, il ne s'agit pas ici d'affirmer la prise d'un quelconque pouvoir par les femmes, mais d'un bouleversement de la représentation des hommes, des mâles. Évidemment, les lâches sont légion dans le cinéma comme dans la littérature. Mais le lâche du film ne l'est pas pour faire le mal. Il l'est parce qu'il réagit en être humain, laissant sa virilité et son héroïsme supposé dû à son statut de mari et de père derrière son instinct de survie mais aussi derrière sa peur face à un événement soudain. Ce lâche n'est pas dénoncé. Il est montré brut, conscient du hiatus entre son comportement et ce qu'il sait de ce que la société, et donc sa famille, auraient attendu de lui. Le mâle de cinéma est un homme ordinaire. Et peu importe que les séquences finales le rétablissent dans sa virilité ou dans un modèle protecteur, plus personne ne sera dupe de ce que chacun peut être dans une situation de danger... même si on essaie de conserver les apparences pour les enfants. La reproduction sociale d'un modèle de "super papa-mari" comme constante pour se construire?
ce mercredi 21 janvier 2015 sort dans les salles Foxcatcher réalisé par Bennett Miller et prix de la mise en scène au dernier festival de Cannes (2014). Présenté en avant-première lors du festival Cinéma, Sport et Littérature à l'Institut Lumière le dimanche 11 janvier 2015, le film se concentre sur le désir pathologique d'un milliardaire, John du Pont (méconnaissable Steve Carell) à vouloir devenir l'entraîneur de champions de lutte, et notamment Mark Schultz (interprété par Channing Tatum), champion olympique aux Jeux Olympiques de Los Angeles en 1984.
samedi 10 janvier, à l'occasion du festival Cinéma Sport et Littérature proposé par l'Institut Lumière, était projeté en avant-première française la copie restaurée du chef-d'œuvre d'Hugh Hudson, sorti en 1981 et 4 fois oscarisé et notamment pour le scénario. En présence du réalisateur et devant une salle archi comble, la redécouverte de ce film fut une révélation pour bon nombre de spectateurs, peut-être parce que le contenu une d'une contemporanéité, pour ne pas dire d'une actualité sidérante.
L'action est éclatée en plusieurs moments, commence et finit en 1978, puis se situe en 1919, continue jusqu'en 1924 qui sera le temps fort et long du film. S'ouvrant et se fermant sur une entraînement de l'équipe d'athlétisme britannique sur une plage, le tout sur la musique de Vangélis, elle aussi oscarisée, l'effet est très étonnant, surtout aujourd'hui, d'entendre cette musique très connotée "eighties" avec des synthétiseurs très
Le 13 août 2005, j'écrivais un article pour "The Internationale Association for Media and History" (http://www.iamhist.org/), rubrique "forum". Reproduit avec leur autorisation pour le site Clio-Ciné, (vous pouvez retrouver cet article et des centaines d'autres de nombreux contributeurs sur le site Clio Ciné), cet article consacré à l'utilisation du cinéma comme source est donc retranscrit ici dans son intégralité .
Cet article est une courte synthèse d’une réflexion élaborée en vue de la réalisation d’une série de conférences portant sur l’Histoire du XXème siècle grâce à l’utilisation des films de fiction de l’époque étudiée. Ces conférences
en 1938, un des plus grands films d'aventure de l'Histoire du cinéma sortait aux USA. Réalisé par le cinéaste d'origine hongroise Michael Curtiz (qui réalisa par la suite Casablanca, rien que ça), Les aventures de Robin des bois avaient comme caractéristique d'être un des premiers films tournés en couleur, une nouveauté de l'époque qui avait pour intérêt d'attirer encore davantage les spectateurs dans les salles (comme on a essayé de les attirer avec le cinémascope, le relief...). Produit par la Warner, studio ouvertement pro administration Roosevelt, le film de Capra rassemble Errol Flynn et Olivia de Haviland pour la 3ème fois après Capitaine Blood (1935) et La charge de la brigade légère (1936), toujours sous la direction de Curtiz, formant un duo de cinéma parmi les plus célèbres, tournant encore ensemble 5 fois, dont 4 pour leur réalisateur fétiche!
Bonjour à tous en cette fin d'année, beaucoup de propositions culturelles s'offrent aux Lyonnais. Celle de l'Institut Lumière est particulièrement exaltante car elle ne s'inscrit pas comme un coup mais bien dans la lignée de plusieurs traditions. D'abord la promotion du cinéma dit classique. Et à ce titre, la projection du chef-d'œuvre de Robert Wise et Jerome Robbins West side story répond à ce cas de figure. Ensuite, le soutien au cinéma populaire. Car le cinéma n'est pas que celui vu par quelques cinéphiles mais bien partagé par des millions de spectateurs. Avec West side story, c'est bien le cinéma populaire qui est mis en avant et qui prouve, comme l'aime si bien Thierry Frémaux, directeur de l'Institut Lumière, que le cinéma qui touche les masses peut aussi être exigeant et proposer de véritables œuvres d'auteur. Encore, la croisée des arts. En proposant un ciné concert, l'Institut Lumière poursuit ce qu'il propose depuis des années, avant même les projections spéciales du festival Lumière. Et quoi de mieux que de redécouvrir la partition de Leonard Bernstein jouée en direct par un orchestre symphonique tandis que les images hollywoodiennes viennent se projeter sur un écran géant. De telles projections permettent de démocratiser l'idée même que d'aller à un concert de musique classique avec des tarifs qui peuvent être élevés encore pour certaines places mais qui débutent malgré tout au tarif de 16 € avec une projection précédée d'un autre spectacle. Quiconque étant allé à l'Auditorium Maurice Ravel sait combien la qualité d'écoute et de projection de la salle permet de profiter au mieux du spectacle, même pour les places les moins onéreuses. Enfin, le rendez-vous avec l'actualité. Car la projection de West side story s'inscrit à la fois dans un cycle sur la production américaine mais le thème du film est d'un contemporanéité assez singulière, que ce soit avec les événements entre la police américaine et la communauté noire des ces derniers mois, ou avec la marginalisation de certains groupes en France pouvant se sentir rejetés et pas seulement économiquement. La chanson "America" résume à ce titre assez bien ce qui pouvait se passer aux USA dans les années 1950 - 1960 et qui peut se retrouver en France dans nos banlieues. Les femmes du film veulent s'émanciper de leur culture malgré les contraintes culturelles et religieuses qui pèsent sur elles. Les hommes au contraire rejettent un modèle qui a pu les faire rêver mais qui n'a jamais su ou pu les intégrer, faisant d'eux des victimes (volontaires ou pas) de racisme ou de xénophobie. Mieux, le discours des adversaires de Nardo, chantent à qui veut l'entendre que la société est malade de ne pas savoir que faire de ces jeunes qui sont à la fois abandonnés, méprisés et excusés quoi qu'ils fassent. Une société ne sachant que faire de sa jeunesse, vivant en bandes s'affrontant, occupant des emplois sous qualifiés, animés par la violence, le rejet des autres communautés et la haine des forces de police. Cela ne rappelle donc rien? Alors pour voir, revoir ou faire connaître ce film à qui ne l'aurait jamais vu, la liste des séances (entre le 31 décembre 2014 et le 2 janvier 2015) est sur le site de l'Auditorium de Lyon. À très bientôt Lionel Lacour
vous la connaissez tous. Cette chanson de Tino Rossi sera encore indétrônable cette année et ce comme depuis près de 70 ans. Mais il faut rappeler qu'elle est issue d'un film de Richard Pottier "Destins" en 1946. Mais elle fut créée en 1944 à Marseille par Lemercier. Un enfant priait pour le retour de son père, prisonnier en Allemagne. La version que vous pourrez entendre ci-dessous est donc celle du film, et elle est légèrement différente (orchestration, nombre de couplets) de celle qui sera ensuite exploitée commercialement et qui sera reprise par de très nombreux artistes.
Si la chanson évoque un personnage clairement identifié, celui-ci n'apparaît pas à l'écran tandis que la crèche est-elle bien présente.
Enfin, il est assez rare de voir des chansons connues par un film français (même si elle a été créée avant) devenir si célèbre que le film en a été oublié. Ce n'est pas le cas par exemple des chansons des Demoiselles de Rochefort pour ne citer que celle-ci.
Enfin, c'est certainement la chanson de Noël la plus célèbre en France, genre de chanson si prisé dans le monde anglo-saxon, rite auquel ont succombé tant d'artistes majeurs (Franck Sinatra notamment) et plutôt déconsidéré dans notre pays.
Et pour se souvenir de cela, voici donc la version originale et remasterisée extraite du film Destins:
.jpg)
