Jean-Claude Killy pour ouvrir Cinéma, Sport et Littérature 2015 à l'Institut Lumière

Bonjour à tous

Après Eddie Merckx, ce sera donc au tour d'une autre légende du sport d'ouvrir le festival Cinéma, Sport et Littérature organisé par l'Institut Lumière du 8 au 11 janvier 2015. Avec Jean-Claude Killy, c'est aussi un régional qui honorera les spectateurs de sa présence à l'occasion de la projection du film 13 jours en France réalisé par Claude Lelouch et François Reichenbach en 1968 à l'occasion des Jeux Olympiques d'Hiver organisés à Grenoble. Et c'est peu dire que l'invité de cette soirée sera présent sur le film puisqu'il remporta les 3 titres du ski alpin décernés à cette occasion (l'épreuve du "Super Géant" entre Géant et Descente n'existant pas encore!).

Ainsi, après l'ouverture à 20h le jeudi 8 janvier dans la salle du Hangar, le documentaire reviendra sur cette quinzaine olympique qui marqua à tout jamais le personnage de Jean-Claude Killy pour en faire ce sportif unique puisque son exploit est à ce jour inégalé. Mais les autres disciplines seront également montrées, d'autres champions filmés, avec les exploits et les drames inhérents à toute compétition sportive, et ce pendant 1h52.

Le mérite de ce festival, outre la projection de films de fiction (Les chariots de feu notamment en copie restaurée) ou de documentaires (Foot et immigration, 100 ans d'histoire commune réalisé par Eric Cantona entre autres), est de montrer combien le langage cinématographique permet de suivre des compétitions autrement que ce que peuvent le faire les télévisions. Celles-ci ont vu leurs moyens augmenter au point que la caméra semble épouser le moindre geste, la moindre émotion des sportifs, des spectateurs ou des équipes entourant les champions. Mais les commentaires en direct, ou en différé, viennent rappeler au téléspectateur qu'il s'agit d'une actualité sportive, certes marquée par les pics de tensions, l'angoisse du résultat, de la faute ou de l'accident, mais dont la couverture médiatique est essentiellement caractérisée par une grammaire événementielle et instantanée.

Les films de cinéma ont une autre vertu. Ils n'ont pas l'objectif de l'exhaustivité en couvrant chaque athlète. Pas l'obligation de s'appesantir sur chacun d'eux de manière égale. Le cinéaste est d'abord un artiste dont le montage a posteriori se combine aux choix faits au moment du tournage. Il peut filmer une ambiance, une atmosphère, décider de choisir un athlète qui ne gagnera pas, proposer de montrer la victoire d'un champion par le regard de celui qui sera battu. La télévision est soumise à la dramaturgie imposée par la course, par le match. En ce sens, les sportifs imposent un tempo, un suspens qui échappe au réalisateur. Seuls peuvent éventuellement modifier ceci le talent des commentateurs. Et certains seraient capables de créer une émotion pour des compétitions sans importance. Mais cela n'est qu'un pis-aller.
En revanche, le cinéma reconstruit la dramaturgie, la déplace parfois là ou l'information ne la voit pas. Parce que le temps du cinéma n'est pas celui de l'immédiateté. N'est pas celui imposé par la compétition. De même, la qualité de captation du cinéma n'est pas celle de la télévision. Celle-ci impose une image lisse, laissant tout net, y compris les logos des sponsors sans qui les compétitions modernes n'existeraient pas. Le cinéaste peut au contraire décider de ne pas accorder à la netteté l'attention que la télévision exige. Il peut exclure de son cadre tout ce que les émissions en direct captent sans pouvoir l'effacer. Il peut raconter une autre histoire que celle imposée par le déroulé des Jeux, revenir en arrière, utiliser des flash backs ou des flash forwards dans son montage.

En (re)découvrant 13 jours en France, les spectateurs comprendront certainement l'intérêt du cinéma comme témoin des grandes compétitions sportives, apportant non pas la vérité mais une autre émotion que celle proposée par le direct télévisuel. Avoir en plus un des protagonistes de ce documentaire cinématographique, et quel protagoniste, sera à n'en pas douter un autre moment intense permettant de raconter plus de 46 ans après comment il a vécu le fait de se voir (et peut-être de se revoir) comme héros d'un film de cinéma après avoir été héros d'un sport français alors triomphant.

Pour toute information concernant ce festival, rendez-vous sur www.institut-lumiere.org

À bientôt
Lionel Lacour

L'instant criminel au cinéma - 1: Une conférence mémorable de Robert Badinter

Photographie David Venier - Université Jean Moulin Lyon 3

Bonjour à tous,

en 2011, Robert Badinter donnait une conférence intitulée "L'instant criminel au cinéma" à l'Auditorium Malraux, - Manufacture des Tabacs. Organisée par l'Université Jean Moulin Lyon 3 et le Barreau de Lyon à l'occasion des 2èmes Rencontres Droit Justice et Cinéma, j'ai eu le privilège d'en concevoir les contours avec Robert Badinter, notamment les extraits des films proposés.
Animée par mon ami Jean-Jacques Bernard, rédacteur en chef de Ciné+ Classique, cette conférence fit sensation, montrant tous les talents et l'humanisme de celui qui avait mis fin à la peine de mort en France 30 ans auparavant.

Vous trouverez dans ce premier message 4 vidéos correspondant à la moitié de la conférence. Un second message vous permettra de visionner le reste de la conférence prochainement.

Afin de ne conserver que le contenu, les divers remerciements des discours précédant la conférence elle-même ont été coupés au montage. Ces discours avaient été prononcés par Mme le Bâtonnier du Barreau de Lyon, M. le Président de l'Université Jean Moulin Lyon 3, M. le doyen de la faculté de droit et par moi-même en tant que délégué général de la manifestation.

L'instant criminel au cinéma

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À qui sont destinés les films? De la difficulté de comprendre un film venu d'ailleurs

Bonjour à tous,

il nous est tous arrivé de voir un film, de comprendre la trame générale, l'intrigue, mais de ne pas en comprendre les enjeux, l'intérêt ou parfois juste une ou deux séquences. Parfois même, certaines scènes peuvent nous sembler compréhensibles alors même que nous n'en percevons pas l'importance.
En fait, tous les films de cinéma sont d'abord une production d'un ensemble d'individus liés à leur temps et à leur public. Ainsi, pour prendre un exemple précis, La vie est belle de Franck Capra est un film américain de 1946 destinés d'abord à être vu par... des Américains de 1946.
Cette affirmation peut apparaître comme une évidence tellement simple que beaucoup ne se la posent pas. Or elle est non seulement fondamentale, mais elle explique pourquoi certains cinémas venus de pays loin nous semblent même venus d'une autre planète. Le loin renvoie autant à l'espace (que

"Le Pigeon", l'exagération pour un tableau tout en nuance de l'Italie des années 50

Bonjour à tous

Mario Monicelli a excellé dans ce qu'on allait appeler la comédie italienne et qui fit du cinéma de la Péninsule un modèle pour tant de cinéastes.
Avec Le pigeon, Monicelli réalisait en 1958 certainement son premier chef-d'œuvre, considéré comme une des plus grandes comédies du 7ème art par certains, et qui témoigne pourtant de la situation extrêmement contrastée de la société italienne de ces années d'après guerre, des ces années d'après "néoréalisme".

Parodie, pastiche, farce
De nombreuses analyses du film rappellent qu'il fut largement inspiré du film de Jules Dassin Du rififi chez les hommes, film noir présentant

"J'accuse" en Ciné Concert à l'Institut Lumière

Bonjour à tous

À l'occasion de la programmation consacrée aux films sur la Grande Guerre, l'Institut Lumière propose 2 ciné-concerts exceptionnels le mardi 2 décembre, à 14h30 et à 20h du film d'Abel Gance "J'accuse" (1919)Accompagnement au piano par Romain Camiolo.
Ces projections exceptionnelles permettront de découvrir en copie restaurée ce chef-d'œuvre longtemps resté en dehors de tout écran et qui marqua les spectateurs à la sortie de la guerre et qui offrait des séquences absolument dantesques dont peut-être la première séquence de morts-vivants du cinéma, avec en figurant, l'écrivain Blaise Cendrars, lui-même invalide de guerre.

Réalisé en partie avec l'aide de l'armée américaine, le film aborde la guerre avec l'enthousiasme de la déclaration permettant de récupérer l'Alsace et la Lorraine et libérant les sentiments nationalistes. Puis progressivement, le film évolue en accusant non plus les Allemands mais ceux qui ont poussé des jeunes Français à mourir au nom de valeurs non respectées. Il est également un des rares films à montrer des soldats français venus des colonies pour combattre sur le front.
Avec des effets spéciaux impressionnants à l'époque, Abel Gance réussit là une œuvre référence.
En 1938, Abel Gance réalisera un remake parlant dans lequel, cette fois-ci, l'anti-germanisme sera l'unique motivation des soldats.

Pour tout renseignement complémentaire, vous pouvez aller sur le lien suivant:
Institut Lumière ou appeler le 04 78 78 18 95

À bientôt
Lionel Lacour

Festival "À nous de voir" en danger: le cinéma au cœur du débat citoyen

Bonjour à tous,

Une fois n'est pas coutume, j'évoquerai un festival autant pour sa programmation que pour le combat que mènent ceux sans qui peu de festivals n'existeraient.
Aujourd'hui, mardi 25 novembre 2014, se tenait une conférence de presse peu ordinaire. En effet, et alors que le festival "À nous de voir - Cinéma et Sciences" d'Oullins a débuté sa 28ème édition depuis le 20 novembre (et ce jusqu'au 30 novembre prochain), les "faiseurs" du festival ont mobilisé la presse et tous ceux pouvant être concernés par leur événement pour présenter la situation dans laquelle ce dernier ce trouvait.
Au cœur du problème, un blocage de la part de la direction de la MJC d'Oullins, organisatrice officielle du festival qui semblerait refuser que celui-ci ne se développe en permettant une autonomisation de cet événement, conduisant à ce que la MJC ne soit plus qu'un partenaire et non l'organisateur en plein.

Mickael Théodore, bénévole du festival et fondateur de l'association YAKA, est revenu longuement sur l'origine de ce blocage et sur les souhaits des nombreux autres bénévoles de s'approprier à la fois un lieu, le théâtre de la Renaissance mais surtout une idée. Celle que le cinéma participe à l'éducation populaire, offre un lieu d'échanges, de débats publics, ici autour des enjeux de la science, de toutes les sciences. Avec de nombreux scientifiques, venus de tous les domaines, comme Spyros Franguiadakis chercheur à Lyon 2 dans le domaine des sciences humaines, le festival s'est doté depuis près de 30 ans d'un espace de parole de plus en plus apprécié, dépassant les simples limites de la ville d'Oullins. Mickael Théodore s'est plu à rappeler l'augmentation de la fréquentation de 50% sur les trois dernières éditions, preuve s'il en était et de la qualité de la programmation mais aussi de l'adhésion, pour ne pas dire du besoin des citoyen de s'ouvrir aux questions scientifiques qui bouleversent leur quotidien, et pas seulement dans les seules considérations techniques.

S'il n'y eut pas de débat contradictoire lors de cette conférence de presse, puisque les représentants de la MJC ont décliné l'invitation qui leur était faite, un point fondamental ressort de ce moment. La présence importante de bénévoles, d'acteurs de la vie culturelle oullinoise mais d'ailleurs également, de la presse, montre combien la diversité culturelle repose de moins en moins sur des décisions verticales mais aussi et surtout sur l'engagement citoyen et passionné. Les grands festivals nécessitent une organisation extrêmement structurée et financièrement puissante car leur rayonnement dépasse les limites de la ville ou de l'agglomération. Et pourtant, même eux nécessitent des bénévoles. En revanche, les festivals plus modestes, modestes dans l'ambition initiale du moins, ne vivent que grâce à la mobilisation de ceux qui ne voient comme intérêt que l'expression de la culture dans leur territoire.

L'expérience du festival "À nous de voir" est une illustration par les actes de ce qui fut en son temps appelé "démocratie participative" dont on comprenait assez vite que la participation ressemblait surtout à un leurre. Dans le cas de ce festival, ce sont bien les citoyens qui se sont appropriés l'événement, l'ont fait croître. La MJC fut une couveuse formidable et permit il y a longtemps que cet événement naisse et se développe. La mise à disposition de personnels salariés pour encadrer l'enthousiasme des bénévoles était une aide considérable. Mais désormais, le festival "À nous de voir" propose une programmation de plus en plus dense, de plus en plus variée, de plus en plus importante (voir le programme sur le site À nous de voir, nécessitant certainement un déploiement nouveau, avec de nouvelles structures, de nouveaux partenaires.

De fait, cette conférence de presse a mis en lumière une réalité nouvelle sur la transmission de la culture en France. L'invention des MJC au lendemain de la guerre répondait à une demande d'accès et de de diffusion de la culture dans tout le territoire français. Les résultats furent considérables et ces MJC se sont multipliées sur le territoire national, devenant de véritables pépinières de talents, avec les effets de modes inhérents parfois à cette effervescence qu'apportait ce dynamisme culturel. Mais les décennies passant, l'accès à la culture ou d'expression culturelle ont emprunté d'autres voies, d'autres formes. La télévision et plus tard internet ont relégué "la culture MJC" à une culture parfois folklorique, parfois conservatrice. Et la jeunesse du "J" se faisant de plus en plus absente, ces lieux sont devenus des lieux de pouvoir, certes modeste, mais réel. Et en tout cas suranné.
Ce que les MJC ont permis, elles ne le permettent plus. Ou tout du moins, pas dans un fonctionnement archaïque. Pourtant, l'ambition originelle des MJC était la responsabilisation et l'autonomisation des citoyens. Les bénévoles et salariés du festival "À nous de voir" n'attendent que ça. Ils sont prêts. Prêts à remercier la MJC d'avoir permis que ce festival existe mais aussi à la remercier de les soutenir à se développer dans une structure autonome.

Ainsi, le combat pour un cinéma multiple ne passe pas que par l'amont de la production ou par la distribution. Il passe aussi par la nécessité que les spectateurs qui désirent un autre usage du cinéma puissent s'organiser pour proposer des moments de débat. Si Lyon est devenue la capitale pour la sauvegarde du cinéma classique (ou de patrimoine) avec le festival Lumière, et plus récemment capitale de la préservation du patrimoine des salles de cinéma historiques, l'exemple du festival d'Oullins montre qu'il faut également préserver les spectateurs qui s'engagent pour organiser des événements touchant d'autres publics encore, croyant également que le cinéma n'est pas 24 fois la vérité par seconde comme le disait Godard mais une vérité à décrypter avec des experts, des spécialistes pour un public avide de comprendre ce que le cinéma se propose de lui montrer.

Que le cinéma fasse encore vibrer la société, qu'il conserve ses fonctions de divertissement des masses mais aussi de générateur de débats citoyens, c'est tout ce que revendiquent les "faiseurs" de "À nous de voir". Et ils le font bien. Parce que le cinéma reste peut-être le dernier lieu où les citoyens de toutes conditions peuvent encore se rencontrer et discuter de ce que devient la société après le visionnage d'un film, interprétation sensible du monde par un réalisateur.
Espérons que leurs efforts leur permettront de trouver une solution qui permettra de pérenniser le festival, de le développer, avec le soutien bienveillant d'une MJC qui doit permettre l'émancipation des projets citoyens.

À bientôt
Lionel Lacour

"La grande illusion" ou l'ambiguïté permanente

Bonjour à tous

1937, Jean Renoir réalise certainement son plus grand film. La grande illusion fait partie de ces œuvres qui ont une modernité permanente. Le scénario, le rythme, le jeu des acteurs (si on excepte Carette dont le phrasé est vraiment marqué "années 30"!), tout concourt à faire de ce long métrage un objet cinématographique indémodable. À sa sortie, l'enthousiasme est quasiment unanime. De l'extrême droite à l'extrême gauche, tous voient dans La grande illusion LE chef-d'œuvre. Et il faut reconnaître que le scénario de Charles Spaak et de Jean Renoir et la maîtrise de la mise en scène du réalisateur sont autant d'éléments qui viennent confirmer objectivement la qualité du film. Cependant, le film recèle quelques ambiguïtés dérangeantes.

Bande annonce:

Recherche d'intervenant pour le film iranien "La vache"

Bonjour à tous

Malgré tous leurs efforts depuis 3 semaines, l'association "Enjeux sur image" n'a pas trouvé d'intervenant pour parler de ce film iranien inédit à Lyon mais très connu dans sa communauté.
Ce film sera projeté à Lyon le 13 novembre. Si vous connaissez-vous quelqu'un qui pourrait animer le débat avec le public, contactez moi au plus vite pour que je vous mette en relation avec cette association.

Vous pourrez disposer du DVD et de liens sur des articles pour préparer l'intervention.
Merci d'avance


Lionel Lacour

Marc Ferro et Pierre Sorlin: les continuateurs

Bonjour à tous,

Après mes articles consacrés à S. Kracauer (Kracauer, l'Allemangne et le cinéma)et à E. Morin (Edgar Morin, un anthropologue du cinéma), ce nouveau post propose d'aborder leurs successeurs dont les travaux universitaires ont finalement eu une portée plus grande encore sur le lien entre le cinéma et les sociétés qu'il filme. Deux voies ont été envisagées mais qui arrivent finalement aux mêmes conclusions : une approche historienne, une autre plus sociologique.

  « Histoire et Cinéma » : l’œuvre de Marc FERRO

Marc Ferro est un historien spécialiste du XXème siècle, et notamment des questions coloniales. Il s’est aussi spécialisé dans l’exploitation des sources nouvelles du XXème siècle, c'est-à-dire les films. Le recours à ces sources l’a alors conduit à travailler plus précisément sur l’apport de ces sources aux historiens et à en définir quelques principes de base.

Dès la fin des années 60, Marc Ferro publia des articles montrant la possibilité d’utiliser le cinéma dans l’étude historique d’une période. Mais c’est en 1975 qu’il publie son œuvre majeure sur la question, Analyse de film, analyse de société. Dès la page 12, il assène une vérité tellement évidente aujourd’hui mais qui n’allait pas forcément de soi pour les historiens : « Tous les films sont objet d’analyse. »

Kracauer, l’Allemagne et le cinéma

Bonjour à tous,

« Je suis persuadé que par une analyse des films allemands, on peut parvenir aux dispositions psychologiques qui prédominaient en Allemagne de 1918 à 1933 – des dispositions qui ont alors influencé le cours des événements et avec lesquelles il faudra compter dans l’ère post-hitlérienne.

J’ai certaines raisons de croire que l’utilisation faite ici des films en tant que moyen de recherche pourrait être appliqué avec profit à l’étude du comportement des masses aux Etats-Unis et ailleurs. Je pense aussi que des études de ce genre pourraient aider dans la planification des films – pour ne pas mentionner d’autres moyens de communication – qui servent effectivement les buts culturels des Nations Unies. »

            Voici ce qu’écrivit Siegfried Kracauer en 1946 en Préface de son livre De Caligari à Hitler, une histoire psychologique du cinéma allemand, traduit en France qu’au début des années 1970. De fait, l’œuvre de Kracauer est

"Le corniaud": la France des Trente glorieuse

Bonjour à tous

Le corniaud, réalisé par Gérard Oury en 1965, réunit deux acteurs majeurs de la comédie française. S'ils avaient déjà travaillé ensemble, notamment dans La traversée de Paris, c'est la première fois qu'ils tiennent la vedette à part quasi égale dans un film dont le succès entraînera la production de La grande vadrouille l'année suivante. Le corniaud plonge d'emblée le spectateur dans une atmosphère coutumière, celle du départ en vacances. Et malgré les aventures rocambolesques du héros, Antoine Maréchal (Bourvil), tout le film va rester dans ce registre. Seul Léolpold Saroyan (incroyable Louis de Funès) semble s'éloigner du Français moyen tel que se l'imaginaient les spectateurs de 1965.

Bande annonce:

La société de consommation
Une 2 CV, des bagages, quitter Paris pour des vacances en Italie. La première séquence est une sorte de constat d'évidence. Les Français ont vu

"Timbuktu" d'Abderrahmane Sissako en Avant Première à l'Institut Lumière

Bonjour à tous

Avant la sortie prévue le 10 décembre 2014, l'Institut Lumière recevra Abderrahmane Sissako pour une avant-première de son dernier film Timbuktu, sélectionné au dernier festival de Cannes et lauréat de deux prix parallèles (Prix œcuménique et Prix François Chalais). 
Ce cinéaste Mauritanien dont l'œuvre a toujours fait la passerelle entre le monde occidental et l'Afrique (et particulièrement dans La vie sur Terre ou Bamako) se plonge cette fois dans la fiction en traitant une situation dramatique frappant le Mali. Timbuktu (Tombouctou pour la prononciation française) évoque donc la présence des djihadistes imposant à la population malienne leurs lois, leurs règles, provoquant de fait des tensions au sein de la population.

En partant de l'histoire d'une famille, celle de Kidane, Sissako aborde la réalité de la violence des nouveaux maîtres de la ville, et notamment celle faite aux femmes, devenues l'ombres de ce qu'elles étaient avant la prise de pouvoir de ces intégristes. 

Même si le réalisateur a une culture européenne, son point de vue ne manque pas d'intriguer car il est avant tout celui d'un Africain qui n'a jamais manqué de critiquer l'impérialisme qui s'abat perpétuellement sur ce continent, et particulièrement le Mali, objet de ce film ovni qu'était Bamako dans lequel étaient jugées les instances internationales, dont le FMI, pour le rôle qu'elles jouaient dans le sous-développement africain. En mettant en accusation ceux qui mettent sous le joug tout un peuple soit-disant au nom d'un Islam, forcément dévoyé, Sissako permet d'appréhender cette menace djihadiste touchant finalement et d'abord les populations musulmanes (d'Afrique ou d'ailleurs) avant même le monde occidental. Les premières victimes sont les populations, musulmanes ou chrétiennes vivant dans des pays dans lequel l'Islam était une religion majoritaire mais tolérante.

Au moment ou on demande aux populations musulmanes de s'indigner contre le terrorisme islamiste, le film de Sissako propose un témoignage édifiant, dans lequel la foi de l'auteur ne compte pas mais qui démontre que les Musulmans comme les populations d'autres confessions sont menacés par les djihadistes sans réelle distinction. Un "Not in my name" sur grand écran, mais sans injonction de se déclarer contre les terroristes islamistes quand on est musulman.

Mardi 4 novembre 20h AVANT-PREMIÈRE
En présence d’Abderrahmane SissakoTimbuktu (A. Sissako, 1h37)
Billetterie disponible sur

www.institut-lumiere.org
ou au 04 78 78 18 95

À bientôt
Lionel Lacour

"Le silence des agneaux" à "L'épouvantable vendredi" de l'Institut Lumière

Bonjour à tous

Le vendredi 7 novembre 2014 se déroulera un nouvel "Épouvantable vendredi" toujours organisé par Fabrice Calzettoni, responsable pédagogique de l'Institut Lumière et grand amateur de ce cinéma de genre.

Hakim Fdaouch, grand cinéphile et spécialiste du genre, et Fabrice Calzettoni présenteront pour l'occasion un film qui fit sensation à sa sortie en 1991. En effet, Le silence des agneaux dépassait de loin le succès des films évoquant les serial killers et fixait dans l'inconscient collectif des référents à la fois esthétiques et de personnages extrêmement bien caractérisés.

Il faut dire que le casting avait de quoi séduire. Jodie Foster faisait une très subtile agent du FBI, Clarice Sterling, devant à la fois résoudre une affaire de meurtres en série et affronter celui qui pouvait l'aider, à savoir Hannibal Lecter. C'est Anthony Hopkins qui livre une interprétation magistrale de ce personnage, apportant la finesse de son jeu, lui qui incarnait si bien les britanniques bien éduqués auparavant,

Festival Lumière 2014 - Le Best of

Bonjour à tous,

alors si comme moi, vous n'avez pas pu voir tous les films que vous auriez souhaité lors du Festival Lumière, s'il vous manque LE film de Claude Sautet, si la séance Capra était complète lors du festival, l'Institut Lumière propose un programme de rattrapage depuis vendredi dernier.

À vous de faire votre sélection et de vous rendre à la salle du Hangar rue du Premier Film à Lyon 8ème pour voir et/ou revoir les films qui ont marqué la 6ème édition du Festival Lumière.


Tous renseignements sur 
www.institut-lumiere.org
ou par téléphone 04 78 78 18 95

Programmation du Best of ci-dessous!

À bientôt
Lionel Lacour



Mercredi 29 octobre
16h45 César et Rosalie (C. Sautet, 1h51)
19h Un étrange voyage (A. Cavalier, 1h40)
21h L'Homme de la rue (F. Capra, 2h02)

Jeudi 30 octobre
14h30 Femmes au bord de la crise de nerfs (P. Almodóvar, 1h35)
17h La Loi du désir (P. Almodóvar, 1h44)
19h Une journée particulière (E. Scola, 1h46)
21h César et Rosalie (C. Sautet, 1h51)

Vendredi 31 octobre
14h30 César et Rosalie (C. Sautet, 1h51)
17h Les Choses de la vie (C. Sautet, 1h25)
19h Colorado (S. Sollima, 1h47)
21h Une journée particulière (E. Scola, 1h46)

Samedi 1^er novembre
16h30 L'Homme de la rue (F. Capra, 2h02)
18h45 Un étrange voyage (A. Cavalier, 1h40)
20h45 Colorado (S. Sollima, 1h47)

Dimanche 2 novembre
14h30 Une journée particulière (E. Scola, 1h46)
16h30 César et Rosalie (C. Sautet, 1h51)
18h45 L'Homme de la rue (F. Capra, 2h02)

Mardi 4 novembre
14h30 Une journée particulière (E. Scola, 1h46)
17h L'Homme de la rue (F. Capra, 2h02)

Mercredi 5 novembre
17h La Fleur de mon secret (P. Almodóvar, 1h42)
19h Volver (P. Almodóvar, 2h02)
21h15 Monsieur Klein (J. Losey, 2h03)

Jeudi 6 novembre
19h Vincent, François, Paul et les autres… (C. Sautet, 1h58)
21h15 Wake in Fright/Réveil dans la terreur  (T. Kotcheff, 1h48)

Vendredi 7 novembre
14h30 Monsieur Klein (J. Losey, 2h03)
16h45 Volver (P. Almodóvar, 2h02)
19h La Fleur de mon secret (P. Almodóvar, 1h42)

Samedi 8 novembre
16h Amour défendu (F. Capra, 1h28)
17h45 Andreï Roublev (A. Tarkovski, 3h03)
21h Kika (P. Almodóvar, 1h54) - Séance unique

Dimanche 9 novembre
14h30 Vincent, François, Paul et les autres… (C. Sautet, 1h58)
16h45 Volver (P. Almodóvar, 2h02)
19h Monsieur Klein (J. Losey, 2h03)

Lundi 10 novembre
14h30 Vincent, François, Paul et les autres… (C. Sautet, 1h58)
16h45 Monsieur Klein (J. Losey, 2h03)
19h La Fleur de mon secret (P. Almodóvar, 1h42)
21h Wake in Fright/Réveil dans la terreur (T. Kotcheff, 1h48)

Mardi 11 novembre
14h30 Volver (P. Almodóvar, 2h02)
17h Andreï Roublev (A. Tarkovski, 3h03)
20h30 Vincent, François, Paul et les autres… (C. Sautet, 1h58)

"Geronimo": "West Side Story" selon Gatlif

Bonjour à tous,

le mercredi 15 octobre 2014 est sorti le nouveau film de Tony Gatlif, distribué par les films du Losange et co-produit notamment par Rhône-Alpes Cinéma. Ceux qui aiment le style de Gatlif ne seront pas déçus. Puissance des images, mise en scène nerveuse, liberté avec la grammaire cinématographique, notamment dans les raccords ou les échelles de cadre, légèreté de la caméra dans certaines séquences. Pourtant, le cinéphile y retrouvera aussi du cinéma plus académique avec des séquences rythmées, des plans particulièrement soignés créant des vrais grands moments de cinéma.
Si on peut regretter que le scénario pèche dans l'utilisation des seconds, troisièmes ou quatrièmes rôles qui auraient pu donner encore plus d'épaisseur et à l'histoire, et au personnage principal, il faut néanmoins apprécier une approche finalement assez rare dans le cinéma français des confrontations des communautés des banlieues françaises. D'une certaine manière, Gatlif propose un West side story à la française. Il était temps!

Bande annonce:

Festival Lumière 2014 - Rambo, un classique enfin sur grand écran

Bonjour à tous

À l'occasion de la venue du réalisateur Canadien Ted Kotcheff, le festival Lumière projettera son film le plus connu Rambo lors d'une séance tardive à l'Institut Lumière - salle du Hangar du Premier film, le mercredi 15 octobre à 15h45.

Pour bon nombre de cinéphiles, Rambo est une sorte de synonyme de mauvais film américain. Ainsi, il y a quelques années, lors d'une formation pour des enseignants, l'un d'entre eux me demanda si pour moi, Rambo était une source historique, sous-entendant que le film était tellement mauvais qu'on ne pouvait l'utiliser comme objet d'étude.Cette interrogation provoqua de ma part une certaine consternation. En effet, qu'est-ce qu'une source historique? Est-elle liée à la qualité de l'œuvre étudiée ou bien est-ce un témoignage de l'époque étudiée? Devrait-on éliminer certaines inscriptions latines ou grecques sous prétexte qu'il y aurait des fautes d'orthographe? Il en est donc de même pour les films dont la qualité cinématographique n'a rien à voir avec le témoignage historique qu'ils peuvent révéler de leur époque.
Au-delà de cet aspect sur la validité de "source" historique de Rambo, c'était bien le jugement esthétique qui m'ennuyait. En effet, Rambo est un film particulièrement intéressant cinématographiquement parlant comme nous allons le voir ci-dessous. Pourtant, il suffit de prononcer ce mot, RAMBO, pour provoquer sourires et moqueries sur le personnage. C'est que ce personnage n'est pas resté celui que nous découvrions dans le premier opus en 1982 réalisé par Ted Kotcheff. Il est devenu ce symbole du cinéma américain reaganien au fur et à mesure que les années 1980 avançaient jusqu'à la caricature, comme ce le fut pour Rocky, interprété par le même Sylvester Stallone qui devint à son tour une caricature après trois épisodes plutôt bien accueillis jusqu'en 1982 jusqu'à ce que le quatrième opus plonge Rocky en pleine guerre froide!

Stallone, Rocky et Rambo forment désormais une sorte d'unique personnage, à la fois réac, violent, manichéen, profondément américain sans aucune nuance. C'est oublier que ces personnages et les films qui les ont fait découvrir étaient autrement plus intéressants!

Rambo: un Américain des années 70
En 1982, Stallone sortait un autre film qui allait le marquer définitivement. Rambo a cette caractéristique commune avec Rocky d'être de fait un loser. Vétéran du Vietnam, il est donc quelqu'un qui a perdu la guerre. Du point de vue cinématographique, le passé du personnage est donné par petites touches impressionnistes, par quelques flash backs le montrant torturé par un Vietnamien. Il faut néanmoins attendre la moitié du film, alors que la police de la ville croit l'avoir tué, pour que le fameux colonel Trautman révèle qui est Rambo, un militaire d'exception, ayant reçu les plus grandes décorations de l'armée américaine. Le film révèle plusieurs états d'esprit. Celle des Américains d'abord, que le traumatisme de la défaite au Vietnam conduit à rejeter tout ce qui peut y faire référence, à commencer par les vétérans. C'est ce qui conduit le shérif à chasser Rambo de sa ville alors même qu'il n'a commis aucun délit. C'est aussi l'état d'esprit des vétérans qui se sentent rejeter par leur pays et ses habitants qui n'ont pas conscience du traumatisme de la guerre menée en Asie du Sud Est et des horreurs qui y ont été perpétrées par les deux camps. Etat d'esprit enfin d'une armée qui a été incapable de s'occuper de ses vétérans qui étaient partis pour la plupart très jeunes dans ce conflit.

La séquence finale est de ce point de vue très intéressante. Barricadé dans le bureau du shérif après avoir détruit la moitié de la ville Rambo se trouve face au colonel. Il explique alors ses états d'âme: insulté par les civils, ne trouvant pas de boulot, traité d'assassin et de bourreau, Rambo ne comprend pas ce mépris de la part de ces Américains car il n'a fait que ce que l'armée et donc son pays lui ont demandé de faire. Il témoigne de la manière dont un gamin vietnamien a fait sauter une bombe, se tuant et avec lui un soldat américain, montrant à quel point les Américains ne pouvaient pas lutter contre un peuple prêt à envoyer ses enfants mourir pour repousser les Américains. C'est enfin la désocialisation des vétérans que Rambo exprime à son colonel. De manière hallucinante, Rambo pleure alors et se réfugie dans les bras du colonel. Un enfant dans les bras de son père.
Le film est filmé comme la guerre du Vietnam s'est déroulée: un incident anodin sur un homme surpuissant qui va alors tout détruire, et comme la pente savonneuse sur laquelle avait glissé les USA au Vietnam, Rambo ne pourra plus faire machine arrière sinon à détruire tout sur son passage tout en sachant qu'il finira par perdre. Rambo est l'allégorie des USA: surpuissant, sa musculature ici n'est pas inutile pour le propos du film, mais un colosse finalement fragile. Le héros du film finit donc menotté. Fin étrange donc pour un film américain avec un happy end dans le sens où Rambo a détruit toute une ville, tué un homme et s'est rebellé contre la police. Mais la morale du film montre bien que Rambo est une victime et qu'il paie pour ceux qui l'ont abandonné: l'Etat, l'armée, les civils.

Pour revoir ce film qui marqua véritablement une rupture dans le cinéma d'action américain, avec une affiche qui inspira tant d'autres productions, à commencer par Pinot simple flic de Gérard Jugnot, pour retrouver ce personnage mythique du 7ème art, qui allait être emporté par l'idéologie reaganienne consistant à ré-imposer la puissance américaine sur la planète, profitez donc de la séance à l'Institut Lumière lors du Festival Lumière 2014!

MERCREDI 15 OCTOBRE 2014 - 22h45 - Institut Lumière - Salle du Hangar
Rambo de Ted Kotcheff, 1982

Réservations des places sur www.festival-lumiere.org

À bientôt
Lionel Lacour

Festival Lumière 2014 - Stéphane Lerouge: pour l'amour des musiques de film

Bonjour à tous

"Chabadabada Chabadabada".... quelques onomatopées qui évoquent une musique, et pas n'importe laquelle, une musique d'un film. C'est ce que Stéphane Lerouge défend corps et âme. Car pour lui, le cinéma est à jamais lié à la musique qui accompagne le film. Que serait Il était une fois dans l'ouest sans les partitions d'Ennio Morricone? Les westerns ayant la musique de Dimitri Tiomkin seraient bien différents. Et la panthère rose manquerait certainement d'identité si Henry Mancini n'avait pas composé ce morceau pour un saxophone reconnaissable entre tous.

Invité au Festival Lumière 2014 pour une master class sur l'édition musicale de films, Stéphane Lerouge vient apporter son talent et son expérience d'éditeur pour les heureux spectateurs. En effet, depuis 2000, il dirige la collection "Écoutez le cinéma" chez Universal Music France. Universal ayant acheté divers autres éditeurs ayant dans leur catalogue diverses bandes originales de films, Stéphane Lerouge a pu déjà s'appuyer sur un patrimoine qu'il ne restait plus qu'à valoriser. En attendant de pouvoir élargir la collection avec des œuvres qui ne manquent pas mais dont les sources sont parfois difficiles à obtenir, notamment parce que les masters originaux ont été perdus, détruits ou difficilement exploitables (voir à ce sujet l'article Les trésors de Stéphane Lerouge du site Underscore, le magazine de la musique de films.

La collection que dirige Stéphane Lerouge se concentre sur le cinéma français qui ne manque pas de compositeurs de talent comme Maurice Jarre, le maître, François de Roubaix qui apporta en son temps une grande modernité aux films français, ou Francis Lai tellement associé au réalisateur d' Un homme et une femme et d'autres encore.

Pour Stéphane Lerouge, la musique crée des images au-delà du film. Dans une interview donnée à Libération le 2 avril 2013, il témoignait des images qu'il avait fantasmées sur la bande son de Maurice Jarre pour le film de Georges Franju Les yeux sans visage, totalement différentes de celles du film! Cette expérience constitue alors pour lui une évidence. Plus récemment, le 3 octobre 2014, il affirmait dans la version numérique du Figaro que le cinéma de Truffaut s'écoute, peut-être autant qu'il se regarde. Et après le coffret Jacques Demy-Michel Legrand sorti en 2013, la collection dirigée par Stéphane Lerouge a sorti en septembre dernier un coffret intitulé "Le monde musical de Truffaut" à l'occasion de la rétrospective Truffaut à la Cinémathèque française.


La Master Class que donnera donc Stéphane Lerouge mercredi 15 octobre à 10h30 à l'Institut Lumière - Salle 2 - Villa sera donc une occasion exceptionnelle de pouvoir comprendre à la fois son travail d'éditeur, son rapport avec les producteurs, autant de musiques que des films, sa perception des relations entre cinéastes et la musique qui habille leurs films et enfin sa crainte de voir les compositions originales de musiques de films disparaître au profit de compilations de musiques préexistantes.

MERCREDI 15 OCTOBRE - 10H30 - INSTITUT LUMIÈRE SALLE 2 - VILLA
Réservation des places par téléphone: 04 78 78 18 95
ou sur le site www.festival-lumiere.org

À bientôt
Lionel Lacour

Festival Lumière 2014 - Il était une fois... Jean-François Giré

Bonjour à tous

le festival Lumière 2014 consacre une partie de sa programmation au thème "1964, un certain Bob Robertson". Sous ce titre étrange se cache en réalité la naissance du western... européen, et plus particulièrement italien. À cette occasion, il apparaissait alors comme une évidence que Jean-François Giré marque de sa présence certaines séances consacrées à cette thématique (voir liste ci dessous).

En effet, Jean-François Giré est l'auteur du livre Il était une fois... le western européen en 2 tomes dont le premier fut publié en 2008 et édité par Bazaar & Co, livres qui seront disponibles à la librairie du Village du Festival.

Encyclopédiste de ce genre souvent minimisé pour ne pas dire raillé, Jean-François Giré offre à la fois l'érudition des cinéphiles et une proximité avec tous ceux qui parfois sont méprisés par justement ceux qui relèguent le western non américain à la catégorie du sous-genre. 

Giré ne surévalue pas la qualité de tous les films produits sur le vieux continent. Mais il vient en donner des clés de compréhension. Notamment le pourquoi du développement de ce genre hors des frontières américaines, ou les inspirations, les motivations. Il est notamment intéressant de voir que le cinéma espagnol a lui aussi produit des westerns, et pas qu'un peu, mais qu'il n'a jamais eu le rayonnement de celui italien ou même allemand. Quant aux westerns français, s'il a existé, il ne fut jamais équivalent à son homologue transalpin. Et Robert Hossein est un des artistes français ayant été le plus impliqué dans cette production exotique (il figura même dans Il était une fois dans l'ouest du grand Sergio Leone, sans être cependant crédité!).

En 2014, Jean-François Giré décide alors de porter à l'écran dans un documentaire de 52 minutes une synthèse de ses analyses de ce genre cinématographique. Co-écrit avec Jean-Jacques Bernard, rédacteur en chef de Ciné+ Classic, et fidèle du festival Lumière pour lequel il anime Radio Lumière, Jean-François Giré centre sa réflexion justement sur des personnages mythiques de cette production italienne, personnages qui parfois donnent leur nom à des films a posteriori, fort du succès qu'ils ont pu emporter. C'est notamment le cas pour les films avec Terence Hill, interprète de la série des Trinita. Le nom du personnage devenait une véritable licence si bien que certains westerns italiens antérieur à On l'appelle Trinita furent re-titrés. Ce fut ainsi le cas pour Trinita voit rouge, réalisé en 1970, où Trinita s'appelait Marco. Le "vrai" Trinita ne sortit qu'après La collera del vento, titre original, mais de nombreux pays sautèrent à pied joint sur le succès du film burlesque pour attirer des spectateurs pour un film pourtant radicalement différent. Il en fut de même pour d'autres films avec Terence Hill, jamais sorti en France ou ailleurs avant 1970 et qui connurent une carrière grâce au succès démesuré de Trinita.

C'est donc de tout cela et bien davantage que Jean-François Giré parlera dans sa master class, dans son documentaire Django, Trinita et les autres et dans les présentations d'autres westerns italiens qu'il fera toute la semaine du festival Lumière 2014. 

SÉANCES AVEC JEAN-FRANÇOIS GIRÉ

Mardi 14 octobre:  21h - Institut Lumière Salle 2 - Villa  - Django, Trinita et les autres réalisé par Jean-François Giré

Mardi 14 octobre: 21h45 - Pathé 2  - El Chuncho de Damiano Damiani, 1966, présenté avec Emiliano Morreale, historien du cinéma italien)

Mercredi 15 octobre: 20h - Pathé Vaise - Django de Sergio Corbucci, 1966

Jeudi 16 octobre:   17h15 - Pathé Cordeliers - Colorado de Sergio Sollima, 1966

Jeudi 16 octobre: 20h00 - UGC Confluence - On l'appelle Trinita de Enzo Barboni, 1970

Vendredi 17 octobre: 10h30 - Pathé Cordeliers - Et pour quelques dollars de plus de Sergio Leone, 1965

Vendredi 17 octobre: 16h30 - Master Class Jean-François Giré - Institut Lumière Salle 2 -Villa

Pour réserver ses places:

www.festival-lumiere.org

ou par téléphone: 04 78 78 18 95

À bientôt

Lionel Lacour

Festival Lumière 2014 - "L'indésirable" d'un certain Mihály Kertész

Bonjour à tous,

le festival Lumière permet de montrer tous les cinémas, y compris le cinéma muet. En choisissant de projeter L'indésirable (traduit parfois également par L'expulsion - A tolonc étant le titre original) réalisé en 1914, les organisateurs réalisent une sorte de billard à trois coups.

Tout d'abord, cela permet de comprendre que le cinématographe s'est propagé dans le monde entier, y compris dans des territoires européens reculés comme la Hongrie de l'empire des Habsbourg.
Ensuite, cela montre que la production cinématographique a généré rapidement des talents européens et pas seulement français.
Cela montre encore que le cinéma sous sa forme artistique, avec une grammaire spécifique, et contrairement à ce que certains disent parfois, n'est pas né avec Griffith, De Mille ou avec les réalisateurs soviétiques. À la veille de la Première guerre mondiale, c'est bien dans le pays Magyar que fut réalisé L'indésirable.
Enfin, cela permet de réaliser aussi que bien des talents hollywoodiens sont nés et surtout avaient déjà tourné dans un autre pays que les États-Unis. Comme bien d'autres réalisateurs européens, Mihály Kertész fut attiré par les grands studios américains autant qu'il dut d'abord quitter sa terre natale pour l'Autriche puis l'Allemagne après des mouvements antisémites et anti-communistes qui sévissaient en Hongrie. Il allait devenir Michael Curtiz, le réalisateur des mythiques Les aventures de Robin des Bois, Casablanca, L'Égyptien ou Les comancheros.
Pour en savoir plus sur les origines de Michael Curtiz, vous pouvez consulter la page du Festival Lumière qui lui est consacrée: Festival Lumière - Michael Curtiz période hongroise

Mais en 1914, il n'est encore que Mihály Kertész, juif hongrois, un des fondateurs du cinéma de son pays.  Pour son 10ème film - un des nombreux qu'il a réalisés en 1914! - le jeune Mihály plonge les spectateurs dans un drame rural qui permet de bien comprendre que les spectateurs hongrois étaient avant tout issu de la paysannerie et que le monde urbain était encore bien réduit, ou bien était constitué d'habitants ayant quitté leur campagne pour trouver du travail en ville.
Le talent de Curtiz est déjà présent à l'écran. Tout d'abord, sa formation de comédien de théâtre lui permet de mettre en scène ses acteurs en valorisant leur travail. C'est ensuite dans sa capacité à mettre en avant les détails du quotidien, le travail des plus modestes que le cinéma de Mihály Kertész se distingue. Sa lecture sociale des relations entre les différents individus qui peuplent ses films, y compris dans les nombreux films d'aventure réalisés notamment avec Errol Flynn et Olivia de Havilland, est déjà dans L'indésirable.
C'est enfin une occasion rare que de voir ce que les spectateurs hongrois acceptaient de voir au cinéma dans un film dans lequel ils pouvaient projeter leur société sur grand écran.

Cette rareté du cinéma hongrois est donc une pépite présentée au Festival Lumière qui permet de mieux comprendre comment des réalisateurs des origines du cinéma ont pu faire leur gamme en tournant beaucoup, en osant faire ce qui n'avait jamais été fait avant eux, en apportant leur culture souvent littéraire ou théâtrale dans cet art nouveau dont il fallait inventer puis développer le langage. Mais surtout, ce film, réalisé par celui qui devint plus tard un maître d'Hollywood et du studio de la Warner avec qui il travailla tant, constitue un témoignage fantastique d'une œuvre qui allait ensuite s'étaler jusqu'à la mort du réalisateur en 1962 et sur 172 films dont quelques chef-d'œuvres du 7ème art.

VENDREDI 17 OCTOBRE 11h30 - 6 € / 5 € accrédités
L'indésirable, Mihály Kertész, 1914, 1h08
Réservations par téléphone au 04 78 78 18 95
ou sur www.festival-lumiere.org

À très bientôt
Lionel Lacour

Festival Lumière 2014: "Aux cœurs des ténèbres" d' "Apocalypse now"

Bonjour à tous

Le Festival Lumière proposera une projection de la version "redux" d'Apocalypse now, c'est-à-dire la version remontée en 2001 par Francis Ford Coppola intégrant des séquences absentes de la version présentée à Cannes en 1979 et de celle exploitée commercialement la même année. Mais quelque soient les versions, le tournage du film fut une épreuve pour le réalisateur comme pour l'ensemble de l'équipe de tournage, ce que Patrick Brion évoquait dans Les secrets d'Hollywood (voir à ce sujet  Les secrets d'Hollywood: une passion des majors de l'âge d'or du cinéma).

Pendant 1h30, le spectateur plonge dans cet univers de la production d'un film mythique, adapté de l'œuvre de Joseph Conrad, palmé à Cannes et qui faillit ne jamais aboutir tant les conditions de productions furent difficiles.
Le documentaire Aux cœurs des ténèbres - l'apocalypse d'un metteur en scène revient donc sur l'histoire du tournage de ce film mythique. Le titre du documentaire mêle le titre du livre dont s'inspire le film et le titre du film. Réalisé à la demande de son mari par Eleanor Coppola avec une caméra 16mm, cette histoire du film est une vraie expérience cinématographique et une source de révélations assez rarement programmé, y compris sur les chaînes satellites spécialisées. Les fans du films le connaissent en bonus sur les éditions collector DVD ou Blu Ray. Il sera proposé à la Villa Lumière le samedi 18 octobre à 15h. Réalisé en 1991, le documentaire revient bien évidemment sur les conditions dantesques de tournage du fait de tourments climatiques puisque les Philippines où étaient tournées les séquences de jungle fut balayé par un typhon dévastateur, mais aussi sur les difficultés liées au casting. Ainsi, après avoir essuyé des refus nombreux de stars, dont Steve McQueen pour le personnage du Capitaine Willard pour finalement engager Martin Sheen dans ce premier rôle, celui-ci fut victime d'un infarctus, retardant considérablement la production du film, Coppola devant se contenter de réaliser des plans d'ensemble et de paysages. Quant à Marlon Brando, il le retrouvait après l'expérience du Parrain certes couronnée de succès mais qui se termina de manière houleuse. Dans le rôle du Colonel Kurtz, Marlon Brando, minéral, composait un personnage plus "Actor Studio" que jamais le faisant entrer définitivement dans la légende du 7ème art.

Ainsi, après des problèmes de scénario, de production, de casting, de financement rendant Francis Ford Coppola de plus en plus irritable et mégalomane, le film est passé du film maudit au film à la fois culte et mythique, véritable repère dans la production cinématographique, dans la représentation et la réflexion sur la guerre du Vietnam sur grand écran comme dans l'esthétique et la narration de ces films à grand budget qui pouvaient allier casting grand format, scénario complexe et public cible large.

SAMEDI 18 OCTOBRE - 15h00 - Salle 2 de l'Institut Lumière (Villa)
Aux cœurs des ténèbres - l'apocalypse d'un metteur en scène,  Fax Bahr, George Hickenlooper et Eleanor Coppola, 1991, 1h30.

Réservation par téléphone: 04 78 78 18 95
ou par internet: www.festival-lumiere.org

Tarif: 3 €

À très bientôt
Lionel Lacour

Festival Lumière 2014: Ida Lupino, "Une femme dangereuse" chez Raoul Walsh

Bonjour à tous,

en clôture du festival Lumière 2014, il n'y aura pas que la séance à la Halle Tony Garnier. Si vous n'arrivez pas à avoir des places pour cette séance, si vous connaissez déjà l'intégrale de Pedro Almodovar, je vous recommande de lorgner du côté de la salle 2 de l'Institut Lumière qui proposera de finir la rétrospective Ida Lupino de deux manières différentes.

Tout d'abord en tant que réalisatrice pour son premier film, bien que non créditée: Avant de t'aimer (Not wanted) attribué à Elmer Clifton dont une des caractéristiques fut d'être le premier réalisateur de Captain America en 1944! Mais étant malade, il dut arrêter de réaliser le film si bien que Ida Lupino, qui avait déjà écrit le scénario, finit le film produit par la société qu'elle avait fondée avec son mari Collier Young: Emerald Production.

Le film raconte l'histoire d'une jeune femme en plein désarroi en cette fin des années 1940. On y voit tout le poids d'une société marquée par les valeurs chrétiennes reléguant les femmes à n'être que des épouses et mères. Film féministe sous bien des points, il montre la difficulté de vivre en femme libre, faisant des choix lourds de conséquence dans cette société encore très conservatrice. Son héroïne, Sally Kelton, interprétée par Sally Forrest, actrice à la carrière très courte, est donc une femme extrêmement atypique dans le cinéma américain pour lequel les femmes mères étaient souvent montrées du doigt et rejetées. Pas une femme fatale, pas une femme totalement libre, encore moins une femme au foyer. Elle annonce en quelque sorte les futurs personnages féminins interprétés par Marilyn Monroe et Elizabeth Taylor à la fin des années 1950, ceux marqués par le drame et l'affrontement avec les conventions sociales.

La projection d'Avant de t'aimer sera suivie d'Une femme dangereuse du réalisateur Raoul Walsh. Réalisé en 1940, Walsh donnait à Ida Lupino le rôle d'une femme, Lana Carlsen, à la psychologie particulièrement torturée, dont les mensonges entraînent le héros, Joe Fabrini interprété par George Raft, dans une terrible affaire judiciaire. Film noir dans certains aspects, Walsh montre ici encore sa capacité à mêler les intérêts divergents de ses personnages. Il retrouve ici Humphrey Bogart dans un second rôle, comme dans Les fantastiques années 20 et démontre qu'il peut, comme beaucoup des réalisateurs hollywoodiens passer de la chronique historique au film de société en passant par un film évoquant la guerre de sécession.
S'il ne s'agit pas d'un trial movie, le film reste haletant du début jusqu'à la fin, permettant à Une femme dangereuse d'aborder le système judiciaire américain dont la représentation et le fonctionnement n'ont pas tellement changé aujourd'hui, en tout cas au cinéma!

DIMANCHE 19 MARS 2014
15h: Avant d'aimer d'Ida Lupino (1949)
17h15: Une femme dangereuse de Raoul Walsh (1940)
Tarifs: 6 € / 5 € accrédités
réservations: 04 78 78 18 95
www.festival-lumiere.org

À très bientôt
Lionel Lacour

Festival Lumière 2014: "La grande muraille", dernier grand mélodrame de Capra

Bonjour à tous

À l'occasion du Festival Lumière 2014, une rétrospective de l'œuvre de Franck Capra est proposée aux spectateurs avec entre autres certains de ses films pas forcément les plus connus mais pas les moins intéressants non plus. En 1933, Franck Capra décide de réaliser un film pour lequel il serait enfin lauréat d'un oscar, récompense ayant été attribuée pour la première fois en 1928 et que le réalisateur d'origine italienne espérait obtenir un jour. Si le film ne fut retenu pour aucune des récompenses couvertes par les Oscars, il offre cependant un intérêt multiple à ne pas manquer!

Un intérêt cinématographique
Capra retrouve son actrice Barbara Stanwick à qui il avait confié le premier rôle dans Femme de luxe en 1930 pour un film adapté du roman de Grace Zaring Stone The bitter tea of General Yen. La Columbia lui donne carte blanche pour produire ce mélodrame pour lequel il s'accompagne du chef opérateur Joseph Walker avec qui il avait déjà fait ses premiers films et qui allait collaborer avec lui jusqu'au chef-d'œuvre La vie est belle (1946).
Cette continuité artistique (même comédienne, même technicien) lui permit alors de produire un film ambitieux et "artistique" autour d'un sujet particulièrement difficile et provocateur pour l'époque.

Un intérêt historique
La puissance d'Hollywood se retrouve dans ce film et la capacité d'adapter des œuvres traitant de sujets contemporains. Si le film aborde par le petit bout de la lorgnette la guerre civile chinoise qui sévit alors, il est néanmoins assez stupéfiant de voir une major financer un film dont l'action évoque une guerre n'impliquant pas directement les USA. Le rôle de Barbara Stanwyck est évidemment le point d'accroche pour les spectateurs et qui leur permet d'essayer de comprendre les enjeux historiques du conflit entre nationalistes et communistes. Le film n'est d'ailleurs pas à un cliché près et la barbarie des Chinois est souvent extrêmement caricaturale. Mais il est peu de films qui permettent d'avoir une représentation de cette Chine en proie à une Révolution majeure ayant renversé un régime millénaire. À l'heure où les films occidentaux filmant les territoires colonisés évoquaient surtout la supériorité de la civilisation européenne et justifiaient de fait le colonialisme, le film de Capra ouvre, malgré un point de vue essentiellement occidental, une fenêtre sur le monde extra-européen sans que celui-ci ne comprenne vraiment ce qui arrive dans l'Empire du Milieu.

Un intérêt sociétal
Le film est particulièrement osé également dans la possibilité qu'il laisse aux spectateurs d'imaginer une relation "inter-raciale" entre une "Blanche" et un Asiatique, fût-il général! Cette approche extrêmement provocatrice était celle du livre. Mais la projection sur écran de cette histoire d'amour, certes extrêmement compliquée, faisant s'affronter des référentiels culturels terriblement antagonistes, ne pouvait qu'entraîner des réactions violentes chez les spectateurs comme les spectatrices. Cette inter-racialisme était d'autant plus choquant qu'il touchait une femme blanche. Les situations pour lesquelles des Européens avaient des relations sexuelles avec des femmes de couleur étaient plus acceptables, les conséquences étant moins grave quant à la perpétuation de la "Race". En inversant les sexes des personnes impliquées, le message était extrêmement tabou car correspondait à une vraie transgression et, consciemment ou pas, impliquait que la femme blanche mise enceinte par un homme de couleur mettrait forcément au monde un être avilissant sa propre race.

Malgré ses qualités et le succès critique, le film ne rencontra donc pas un succès public, d'autant plus que l'empire britannique refusa de le distribuer, les autorités étant certaines du risque de réception de ce film auprès de sa communauté!

C'est donc avec grand intérêt que cette Grande muraille doit être regardée, d'autant qu'après l'échec au box office, Capra allait réaliser des comédies qui allaient lui permettre de trouver la consécration en salles mais aussi auprès de ses pairs! Et quoi de mieux que de le faire au Festival Lumière!

VENDREDI 17 OCTOBRE, 20h30, Institut Lumière Salle 2 (Villa):
 La grande muraille, Franck Capra, 1933
6 € / 5 € accrédités
Réservations: par téléphone au 04 78 78 18 95
par internet: www.festival-lumiere.org

À très bientôt
Lionel Lacour